Mario Acevedo et cette mimesis de l’inconscient

Se débarrasser de la réalité peut sembler utopique. Cependant, ce n’est pas tant, nous sommes conscients que beaucoup de nos actions se créent en privilégiant ce que nous avons inventé pour avancer.

Le travail de Mario Acevedo (Chili, 1988) s’inscrit largement dans cette logique, qui vient d’exposer une partie de son travail à la Vermilion Gallery, et s’apprête désormais à participer à Bada 2022, l’une des foires les plus importantes de Buenos Aires. ( Argentina), qui se déroulera du 25 au 28 août, réunissant 280 artistes, établis et émergents, qui s’ouvrent à la possibilité de se connecter directement avec un grand nombre de publics avides de connaître et d’expérimenter.

Une œuvre qui à première vue semble simple, mais derrière cette naïve macula colorée se cache un reflet où, en plus de la miniaturisation cachée, émerge cette condition liminale dans laquelle nous sommes insérés, et dans laquelle le fait de ne même pas être à un endroit ou un autre, et même franchir un seuil, entre un monde disparu et un autre qui semble inexistant, mais dans la mesure où nous tombons dans l’ostracisme de nous abriter et de chercher refuge dans notre caverne, nous projetons plusieurs de nos peurs et plus désirs cachés, dont beaucoup gravitent par euphémisme entre quatre murs, apportant avec eux ce « monde » personnel et privé. Dans ce cas retravaillé par un artiste plasticien qui déroule toute une narration figurative pleine de symboles et d’archétypes qui nous renvoient à l’enfance ou à la filiation avec le plus intime.

Transition transparente dans cet ensemble d’œuvres qui dans leur construction vont au-delà du concret, articulant tout un climat psychologique dans le scénario duquel l’absence prévaut comme un sujet qui nous permet d’entrevoir cet abandon permanent dont nous sommes victimes.

Mais pas du sombre ou du strictement domestique, mais de la luminosité d’une proposition fondée sur une palette de couleurs qui dépasse le ludique, car elle fait un jeu caché de compléments, dans une tentative de se débarrasser de l’abîme et sombre du confinement, puisque, comme le souligne Jacqueline Paredes, directrice de la Vermilion Gallery, « il possède un style unique, issu de l’art métaphysique, qui recrée des atmosphères oniriques avec des éclairages irréels et des perspectives impossibles. C’est une nouvelle expérience visuelle aux couleurs vibrantes qui ne passent pas inaperçues et où la réalité subjective de l’œuvre est la réalité de son inconscient ».

Une approche où l’attitude contemplative ne convient pas, puisqu’elle est plus proche d’une interprétation phénoménologique qui est liée à un projet de travail qui va après un inconnu qui ne finit pas par être effacé, puisque l’absence est révélée par cette « non-présence » , en témoignent également les objets qui entourent l’espace quotidien où l’isolement est directement responsable de cette exclusion accentuée par un empressement qui augmente à partir d’une série de cartes postales, appelées Scènes impromptues (2021), qui à leur tour sont présentées comme un vestige de la pandémie et de cet exercice kaléidoscopique d’objets en mouvement dans ces intérieurs de non-présence.

Une pulsion qui pourrait sûrement être comprise dans un espace-temps indéfini, qui peut parfois sembler passif. Cependant, cette immobilité ou langueur apparente révèle la rigueur de la grotte, représentée par un plus ultra déterminé par l’absence totale de personnes dans ce diorama sans fin, où, comme dans l’allégorie de Platon, c’est la prison de l’apparence, et Bien que dans la proposition d’Acevedo nous ne sommes pas enchaînés à la grande caverne, nous sommes confinés par cette mimesis inconsciente qui au lieu d’ombres projette un schéma constructif-chromatique partagé par les deux modèles 3D (2022), et ces projets bidimensionnels qui montrent l’origine architecturale du artiste lui-même.

Dès lors, je considère que ce projet de travail doit être vu comme une mimesis du réel à l’irréel et vice versa, car il est parfois difficile de faire la séparation, mais justement là est la magie. Dans cette atmosphère créée par cette série de mises en scène qui parlent de l’immédiat et du quotidien, mais qui flirtent avec l’onirique.

Le résultat est visible, car c’est sa façon de nous dire ouvertement que rien ne change, ou peut-être tout le contraire. Quelle que soit la réponse, c’est une ressource valable à travers laquelle il parvient à nous piéger dans son imaginaire, dans le codex de représentation duquel le vide s’empare de l’espace, créant une architecture paysagère romancée par un langage articulé autour de la saturation des mondes intérieurs qu’ils viennent à la lumière comme quelque chose d’assumé par la mémoire et comme une séquelle de notre inconscient, avec des épisodes et des lieux réels et imaginés par des objets qui se rejoignent naturellement.

  • Le contenu exprimé dans cette tribune n’engage que la responsabilité de son auteur et ne reflète pas nécessairement la ligne éditoriale ou la position de Le compteur.